作曲の極意！登りつめたそこに待つものは…

飲んだ暮れのたびはいよいよ絶好調！列車で登りつめたそこは！！

さあそこに広がるのはどんな景色ですか？ココがサビ頭です。

ここでどのくらいの感動を与える事が出来るのかがポイント！

貴方ならどんな景色を持ってきますか？

「はるか向こうに見える山脈の大パノラマ…」それとも「地平線が見えるくらいに広がる大海原？」それとも「ナイアガラの滝」えっ？

ココは日本だろう？って問題ないです、あくまでこれは想像の世界ですから…山を上り詰めたらそこは銀河系でも良いのです
　
　つまりサビ頭に持ってくる「大感動シナリオ」を決めて、それを劇的に聞かせるために

「どんな旅の入り口するか？」（Ａ）　　そして

「山登りはどのくらいの坂の傾斜で、トンネルは必要か？時間は夜なのか昼なのか？」などクライマックスに向けての演出（Ｂ）

そして涙がちょちょぎれるくらいのクライマックス（サビ）そして旅の結末はどんな風に…（サビの最後のまとめ方）こんな事を考えて楽曲作りをしてみるとまた楽しいかもしれませんよ
　

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作曲って山登り？

ビール片手に列車で旅行…なんでメロディとのん兵衛親父の列車旅行がつながるの？？？

まあまあ…続きです

そして列車はだんだん都会から離れて行き、窓の外の風景は田園風景が広がって行きます。

弁当を食べてお酒も入り貴方の気持ちは「おー田舎の風景だ…」なんてちょっとノスタルジーに浸ったりします。

このあたりがＡの最後、Ｂへ移行するつなぎの部分です。


　
　だんだん列車は平地から山越えするために登りに入ります。どんどん列車は登って行き貴方の気持ちも「この山を越えたらどんなところに行くのだろう…」なんて思いっきり次に展開される感動を期待して盛り上がってきます。

ここがＢの部分ですね。

ここの盛り上がり方、期待する気持ちをどう演出できるか…そこもポイントになってきますよ
　
そして列車が山を登りきりました！

さてそこに待っているのは、、、、、

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作曲は列車の旅に似ている？

　トミー爺がソングバンクのメンバーにアドバイスをする事で「メロディにはＡＢＣの景色が大事で、その景色の作り方は旅を参考にして考えると良いよ…」とアドバイスを良くします。

その時にこんなたとえ話をする事があります。


まず皆さんは旅行に行くとします。

それも列車での旅行です。

出発地は都会の駅、普通列車での旅という事にしましょう。

発車のベルで音もなく列車は都会の駅を発車します。しばらくは窓の外は見慣れた都会の風景が展開されています。

いつもの風景なのですが貴方はこれから始まる旅への期待でワクワクし
ていることでしょう。

出発前に買った駅弁とビール？（なぜかビール？）などを広げて食べながら景色を見ると…（トミー爺の事ですー笑いー）どんどんこれから始まる旅への期待感でワクワクしてきますよね…この部分が楽曲で言うとＡの部分です。
　
なんかワクワクしてきたでしょう？

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メロディ中にある起承転結

　さて以前「映像が見えるメロディ」のお話をしました。

今回は「メロディ構成がはっきりしていてその中に起承転結がある楽曲」が制作者側から必要とされている！

という事についてお話しましょう。

まず映画やドラマを考えていただけると解り易いかもしれませんね。

娯楽大作、エンタテインメントしている作品って「どんなストーリ」なの？と聞くと「えーとね、これこれこういうストーリーだよ」と簡単に答えられる映画が多くないですか？

それも一度見ただけなのにはっきりと答えられますよね。

実は作曲にもそれが必要とされているのです。

詳しくは次で

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映像・メロディ・起承転結

　以前に映像関係の音楽プロデューサーと話をした時に、作曲家のためになる貴重なアドバイスを貰いました。

彼曰く「映像の監督さんて作曲家が作るデモテープを聴いて、ここでこんな映像が来て、ここでこういう風に場面展開して…見たいにメロディによってイマジネーションが浮かんでくる…」

「だからイマジネーションを想像させてくれる作曲家、作品を欲しがっている…」

「起承転結がはっきりとしている作曲作品が好きみたい」と言っていました。

つまり作曲家としてはメロディやサウンドで相手の感性を動かせれる作曲デモテープを作る事に全精力を賭けて行ったほうが良いということですね。

その為にはメロディの起伏、構成、起承転結などが凄く大事なポイントになるのですよね

結構、おいしいアドバイスだと思わない？

作曲家諸君！！

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メロディと映像の関係とは…

映像や言葉が浮かんでくるような起伏のあるメロディ、作曲技法

さてまず最初はこのテーマについてお話しましょう。


たとえば皆さんはこんな経験をしたことはありませんか？

「この洋楽曲は英語歌詞の内容は解らないけど、何かメッセージを訴えかけてくる…なんとなく歌っている内容が伝わって来る曲だなあ…」

洋楽曲を聴いていてそんな風に感じたことはありませんか？


結構トミー爺にはこれがあります。

実はこの要素って作曲家にとっては凄く大事な事なのです。

では何が大事かというと、それは作詞家と作曲家のコラボレーションに不可欠な要素ですよ

次に詳しく

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ハイ！サビ！！みたいな楽曲

しかし音楽シーンもここ数年変化してきています、１９９０年代後期では「ハイ！サビ！」みたいな楽曲が音楽の主流になっていました。


ＺＡＲＤなどに代表されるシングル曲の作り方ですね。

しかし最近、音楽業界ではちょっと変化してきていてSMAPの「世界で一つだけの花」、平井堅「世界の中心で…」にサビで周りの空気をしっかりとつかめる楽曲がヒットする風潮になってきました。


これって作曲家からすると大変なことになってきていました。

というのも「ハイサビ！」みたいな作曲方法は意識して作れます。

しかし後者に関しては「天から降りてきたメロディ」みたいな感覚があってなかなか意識して作れるものではないです。

ある制作者は「○○風の曲」というよりも「良い曲を持ってきて」と言い切っている人もいるくらいですから…この問題は次でゆっくり考えていくとして…

下記にちょっとそんなヒントになるかもしれないポイントを書いておきます。皆さんもちょっと考えてみてください


　１．映像や言葉が浮かんでくるような起伏のあるメロディ
　
　２．ＡＢＣがはっきりしていてその中に起承転結が出来ている構成
　
　３．出来るだけメロディ展開が予測できないメロディで気持ちの良いメロディ

さあこれを次号までちょっと貴方なりの意見をまとめておいてくださいね

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サビのインパクトについて

　サビのインパクトについてのお話を進めていきましょう。

前の記事では「メロディの余分な要素をマイナス・カットしてサビを強調する」という事についてお話しましたね。

さて今回はいよいよ「インパクトのあるサビを作る」という事についてお話して行きましょう。


　皆さんの中で他の人に貴方が作曲した作曲デモテープを聴いてもらった時に「サビのインパクトが足りない…」とか「もっとサビにイン
パクトが欲しい」とか言われたことがありませんか？


私の経験上レコードメーカーの音楽ディレクター氏の評価で９５％がこの評価、コメントをいいます。


そういう私もSongBankの作曲家メンバーの作曲デモを聞いてアドバイスをする時によくこのような評価をします（笑い…笑っている場合じゃないですよね！失礼しました…）。


しかし作曲家側からすると「サビのインパクトって何？、あんたの言うインパクトの基準は…」って事になりますよね。


でも残念ながら統一された作曲基準はなく、その作曲基準はそれぞれ個人の感性の中にあるので大変なのですよ。

やっぱ作曲デモテープも音楽には変わりはないですからね…


　そこで一つ重要なアドバイスをしましょう。

それは「自分の基準と他人の基準は違っている」という事、それをしっかりと把握するだけで全然違ってきます。

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メロディを削ぎ落としてサビにインパクトを

　今回は作曲のメロディの質、芸術性ということではなく、それを一度ヨコにおいてお話させてください。

今回はどうやったらサビを強く表現できるか？それについて一緒に考えて見ましょう。

そこでまず作曲、メロディのインパクトとは？？

たとえばシーンと静まっている場所でいきなり誰かが後ろから「わっ！」と脅かしてきたとします。

これにはびっくりしますよね。

これは「静寂」「油断」と「突然の大きな声」この対比でびっくりす
るわけです。

これが騒々しい場所で面と向かっている友人から「ワッ！」って言われても「何？どうしたの？」みたいに思ってしまいますよね。

つまりこれをメロディに置き換えてみると「メロディのインパクトは、他のパートとの対比によって印象が決定される」ということが見えてきませんか？

話はまだまだつづきます

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サビの作り方は大きく分けて二つある

　それではどうやったら「強くはっきりとしたメロディを作れるのか？」ということになってきますね。

それには大きく分けて二つあると思います。

１.　メロディ全体を削ぎ落としてサビを印象的に演出する方法


２.　強引にインパクトがあるメロディを作る方法


　前者は日本の歌謡ポップス黄金期に見られるつくり方「上を向いて歩こう（坂本九）」や「世界は二人のために（佐良直美）」に代表される作り方。

もう一つはビーイング系のアーティストＺＡＲＤ、ＷＡＮＤＳなどに代表される作り方ですね。

最近懐メロブームといわれていますよね、なぜ昔の曲を色々なアーティストがカバーをしてヒットさせているのか？も含めてサビのあり方を研
究してみると良いと思います。

さて次で、もう少し掘り下げてお話しましょう

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作曲は出だしが良かったら勝ったも同然！

　さて前回にお話した３つの要素を考える時にどうしたらよいか？

まず作曲デモを聞いている聞き手の心理状況を考えて見て下さいそうするとはっきりと解ってきます。

まず聞き手はデモテープを、たとえばラジカセにセットして。

プレイボタンを押します。

その時の彼の心境は「どんな楽曲だろう…」とものすごく積極的にデモテープを聴こうとしています。

そこで「っお！良いね！このデモ期待できそうだな…」と言わせるイントロや出だしが聞こえて来ると、まずはそこで点数が高くなります。

映画やコンサートを見に行ってもそうですよね、オープニングで「ガツン！」と来るともうそれだけでかなり満足しますよね…

好印象のままスタートしたデモテープは、次に出てくるメロディに聞き手の期待感をつなげることが出きます。

このときの聞き手の心境は「出だしが良かったからメロディも期待できるぞ！」と思っているはずです。

またはイントロで失敗しても「メロディはどうだろう？」と必ず思っているはずです。

だから「歌いだし、Ａメロの頭はものすごく大事なのです」ここで聞き手を捕まえてしまえば、後はサビまでどんなメロディが来ても大丈夫です。ちょっと乱暴な言い方かな…（笑い）

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サビ頭に出来るだけ強いメロディを…

さて今回はサビの聞かせ方、サビの考え方についてお話しましょう。

さてここで皆さんに質問ですが「サビって楽曲の中でどの様な役割を持っていると思いますか？」

さあ…どう思いますか？

それを考えてみるとサビのメロディ使命？がはっきりと見えてくると思います。

まず歌詞を書く作詞家の視点で考えて見ましょう。

ここで、トミー爺が以前担当していた作詞家が言ってた言葉をお伝えしましょう

「まず詞を書く時に作品テーマを決めて、そのテーマで一番言いたい事をサビ頭の１行に持ってくる。それさえ決まればその１行を効果的に演出できるように、その他のパートを決められる」といっていました。

少し見えてきましたか？

その作詞家の意見によるとサビ頭って

「作詞家にとってはもっとも重要な作品のテーマが書くところ！」

という事になります。

作曲家としては一つ視点を変えて考えてみるともっとわかりやすくなります。

歌詞ってメロディと連動しているのは皆さんお分かりですね、そうすると弱いメロディになかなか強い言葉を載せづらいですよね…でも制作側はサビに強さ、派手さ、インパクトを求めていますよね。

そうです！そこですよ…！

つまり作詞家とのコラボレートを前提に考えると、人に楽曲を提供することを目的としている作曲家としては「サビ頭に出来るだけ強い、はっきりとしたメロディを作ることを望まれている」という事がもうお分かりでしょう


つづきます

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前後のギャップが大きければ大きいほど

究極の作曲は間合い、呼吸法にあり、、、この前、へんなところで終わってしまった…ゴメンゴメン！さて続きを、、、、

例えば、あんまり抑揚のない、Ｂからサビへの動きがあったとするよね

ひょっとして、アレンジでその前に何拍かブレークを作ったらインパクトが出てくるかもしれませんよ…、どういう事？

それはね、音楽を聞きている人ってリズムと一緒に呼吸をしているんだよね。

これもなかなか気がつかない所です。

皆さんもライブ、コンサートなので足や体でリズムを取りますよね、それと同じでデモテープを聴きながら聞き手は足を動かさなくても、心の中でリズムをとっていてそれにあわせて自然に呼吸をしています。

しかしブレークを入れたとたん

聞き手の呼吸って一度止まる！息を呑む状態になります。

そこで気持ちよくサビ頭が登場すると、そのタイミングで今まで止めていた息を吐き出します。それが気持ちよかったら「オー！」って事になるのです。

　たとえば友達をビックリさせようと後ろからそっと近づいて「ワッ！」と脅かしたことはありませんか？

　脅かされた相手は突然のことでビックリしますよね、しかし「脅かすよ」といって正面からじっと相手の目を見て「ワッ！」と言っても相手はそれほど驚かないですよねこのような呼吸感をメロディやデモテープに応用できるとかなりインパクトを演出できるのでは？
　
　最近のＣＭで二人の恋人達がいて男性が「そろそろ僕たちのこんな付き合いはやめよう」みたいなセリフを言うと相手の女性はビックリして悲しい表情をする。

　そこで男性がここぞとばかりに指輪を出す。

　そうすると女性は懇親の笑顔をする…みたいなＣＭがあったと思うのですがこのＣＭのように、一度どん底に落ちた気持ちが次の瞬間、最高の幸せを掴む

このような感情のギャップがあればあるだけその後のインパクトは強烈ですよね。

　このことを音楽デモテープに置き換えると、Ｂからサビへと移っていく時に前後のギャップが大きければ大きいほどインパクトが音楽的に演出できます。


このようなメロディの演出方法は人それぞれ違っていますよね。それが作曲家の個性となるのでぜひ皆さんもその感性を磨いてみてください

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作曲の極意は、間合い、呼吸法

サビを期待している人に十分の満足度を与える、それが究極のテクニックだと思います
　
　デモテープを聞いているときに、聞き手（特にレコード会社のディレクター氏など…）はサビに対して物凄く期待していると思います。

　…というか、過剰なくらい期待されていますよ

　その期待に対して作曲家はどれだけ満足させて上げられるのか…ここが勝負だと思います。

　つまりＡＢでしっかりと流れを作ってＢの最後からサビに向けての演出力、ここが前に書いた「歌舞伎役者の大見得を切る所」に似ているところです。

みんな覚えていますか？

　どんなに素晴らしいインパクトのあるサビメロでもその前の部分で盛り上がっている時に真正面からぶつけてもあまりインパクトが出てきませんよね…確かそう書いたと思います

これはもう皆さんは何となくわかってもらえてると思います。


そこで出てくるのが

作曲の極意は、間合い、呼吸法

ハァー？？？何を言うんだろうね？トミー爺は（笑い）


つづきます

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デモテープのメロディ構成

　トミー爺が良く受ける質問で「作曲デモテープはフルコーラス？ワンコーラス？どちらが良いか？」という質問がありますが、これはどちらでも良いと思います。


ただしそこで大事なことは「メロディ要素（Ａ、Ｂ、Ｃ、大サビ）はワンコーラスかワンハープの中で全て披露しておく」これが重要です。　

どうしてか？というと、

音楽コンペで曲を聞いてもらえる時間は大体ワンコーラスぐらいを聞いて判断される事が多い

その短い時間内に「聞かせたいポイント」「アピールしたいメロディを詰め込んでおいたほうが断然有利」だと言うことですね。


特に大サビ（Ｄメロ）がある作曲デモテープは要注意ですよ。

Ｄメロが後半（デモテープの最後のほうに）に出てくるようだと聞かれないで

「評価終了」

なんてこともよくあるので気をつけましょうね

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歌舞伎と作曲デモテープとの関係？

「サビのインパクト…歌舞伎と作曲デモテープとの関係？？？」についてお話しましょう。

実はトミー爺は歌舞伎は一度も観に行ったことはありません。

また歌舞伎の世界に精通している訳でもないのですが、歌舞伎役者が舞台で大見得を切るところってありますね。

　大見得を切るシーン！観ているお客さんは、役者が「さあこの次に役者が大見得を切る！さあ来るぞ…」と今か今かと待っている所だと思います。

　そして役者がお決まりのポーズで大見得を切ったときに「よー！○○屋！」みたいに歓声を上げる」

　役者の立場から考えるとどうやったら観客に一番気持ちよく感動してもらえるのか…その大見得を切るタイミング、呼吸を計っているのではないでしょうか？

その呼吸感やタイミングってデモテープで言う「サビのインパクト」につながっているのでは…そんな気がしてなりません

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